ROBERTO MATTA

Santiago de chile, 11 de noviembre de 1911 – Civitavecchia, Italia, 23 de noviembre de 2002

Roberto Sebastián Antonio Matta Echaurren, más conocido como Matta.

Matta fue arquitecto, pintor, filósofo y poeta chileno y es considerado como el último de los representantes del surrealismo.

Estudio arquitectura en la Universidad Católica de Chile, complemento sus estudios con trabajos relacionados al arte, trabajo en la Revista Topaze, durante esa época pinto algunos cuadros al oleo hoy día extraviados, a excepción del dedicado a su nana Mercedes. Su relación por la arquitectura no fue casual pues era la disciplina más tradicional y cercana al arte.

Se destaco por su gran creatividad  durante sus estudios universitarios, allí creo grandes lazos con sus profesores como Sergio Larraín García. Paralelamente asistía a cases vespertinas  de dibujo a mano alzada en la Escuela de Bellas Artes, aquí su profesor fue  Hernán Gazmuri.

Durante sus estudios secundarios  intento unir en sus proyectos sus estudios en dibujo. Realizó planos arquitectónicos basados en desnudos femeninos, según Nemesio Antúnez en los trabajos presentaba la curva de la espalda en un plano donde proyectaba el living y el comedor, la cabeza era una terraza con vista al mar, los muslos encogidos eran dormitorios y los pies juntos eran los baños. Estad ideas eran bien recibidas por sus profesores quienes los calificaron como un alumno dotado de gran imaginación.

Al titularse como arquitecto viajo a Europa allí conoció a artistas de la talla de Salvador Dalí, René Magritte, André Breton y Le Corbursier.

Breton fue justamente el artista que estimulo al artista chileno, valorando su trabajo y introduciéndolo en el circulo de los principales miembros del movimiento surrealista de parís.

Matta produjo algunas ilustraciones y artículos para el periódico surrealista Minotaure. Durante este periodo creo gran amistad con artistas como Picasso y Marcel Duchamp.

Un momento decisivo en la carrera de Matta se produce en 1938 cuando este pasa del  dibujo a la pintura sobre óleo, por la cual se hace muy famoso.

El uso se patrones difusos de luz y gruesas líneas encima de un fondo particular se transforma en uno se sus sellos característicos. Durante las década del los 40 y 50 refleja el perturbador estado de la política internacional al utilizar imágenes de maquinas eléctricas y personas atormentadas.

Matta agregó nuevas dimensiones a la pintura contemporánea, pese a su ruptura  con el movimiento surrealista en 1947,  por causas desconocidas. Pese a que fue nuevamente admitido  en 1959 ya su fama ganada es exclusivamente personal.

Matta experimento distintas formas de expresión artística incluyendo producciones de video como Système 88, la fotografía y otros medios de expresión.

En 1990 recibió el Premio Nacional de Arte, en 1992 de le otorgó el Premio Príncipe  de Asturias de las Artes y en 1995 obtuvo el Praemium Imperial en la categoría de pintura.

Vivió regularmente desde la década de 1960 en la ciudad italiana de Civitavecchia

Realizando viajes esporádicos a su país. Falleció el 23 de noviembre de 2002.

 

 

OBRAS

Inscape

1939. Óleo sobre tela. 73 x 92,7 cm. Colección Château de Chemillieu. París. Francia.

El día es un atentado

1942. Oleo sobre lienzo. 76 x 91 cm. Museo Nacional de Bellas Artes. Santiago, Chile.

Commit imposible

1947

EDWARD HOPPER

Nyack, 22 de julio de 1882  - New York, 15 de mayo de 1957

Fue un pintor estadounidense, el cual se destaco por sus retratos basados en la soledad en la vida norteamericana contemporánea.

Edward nació en la pequeña ciudad de Nyack a orillas del rio Hudson en una familia culta y burguesa, en 1900 ingresa a la New York School of Art en este instituto conoce a las personas que serán fundamentales para su formación y desarrollo como pintor estos serán los 3 profesores de la escuela: William Merrit  Chase, el cual lo animo a estudiar y a copiar lo que veía en museos; Kenneth H. Miller, que le educó el gusto por la pintura nítida y limpia, organizada en una composición espacial ordenada y finalmente Robert Henri, que contribuyo a liberar el arte de la época del peso de las normas académicas, brindando un ejemplo mas activo a Hopper.

Luego de conseguir su titulo Hopper obtiene su primer trabajo como ilustrador en la C. Phillips & Company.

En 1906 viaja a Europa por primera vez de visita a Paris, donde experimentara el lenguaje de los impresionistas, continuo su viaje por Londres, Berlín y Bruselas.

su estilo personal e inconfundible emerge en 1909, cuando decide regresar a parís, allí dura seis meses pintando en Saint- Gemain y en Fontainebleau.

Su pintura se caracteriza por un peculiar y rebuscado juego de luces y sombras, por la descripción de los interiores los cuales aprende con Degas y que perfecciona en su  último viaje a Paris y a España en 1910 donde el tema principal era la soledad.

Hopper se sentía mas atraído por pintores como: Manet, Pissarro, Monet, Sisley, Courbet, Daumier, Toulouse- Lautrec, pero sentía gran fascinación por el pintor Goya.

A su regreso definitivo a Estados Unidos Hopper abandona las nostalgias europeas que le habían influido hasta entonces y comienza a elaborar temas en relación con la vida cotidiana  norteamericana. Entre los temas de aborda, abundan representaciones de imágenes urbanas de New York, de los acantilados y playas de la cercana Nueva Inglaterra.

Para el año de 1918 se convierte en uno de los primeros  integrantes de Whitney Studio club, el cual era el centro más dinámico para los artistas independientes de la época.

En 1915 y 1923 abandona de manera temporal la pintura para dedicarse a nuevas formas expresivas como el grabado usando la pintura seca y el aguafuerte, con los que obtendrá grandes premios y reconocimientos incluyendo alguno de la prestigiosa National Academy.

Tras alcanzar el éxito con una exposición de acuarelas en 1923 y otra de lienzos en 1924 hace de Hopper el autor de referencia de los realistas que pintaban escenas americanas.

Su vocación artística evoluciona hacia un fuerte realismo, que resulta ser la síntesis de la visión figurativa unida al sentimiento poético que Hopper percibe en sus objetos.

Las imágenes urbanas y rurales inmersas en el silencio dentro de un espacio real y metafísico  a la vez comunica al espectador  el sentimiento de alejamiento del tema y del ambiente en el que esta inmerso bastante fuerte. Hopper logra esta sensación por medio de una esmerada composición geométrica del lienzo, por un sofisticado juego de luces, frías, cortantes e intencionadamente “artificiales” y por una extraordinaria síntesis de los detalles.

Por lo general la escena aparece casi siempre desierta, en sus cuadros casi nunca encontramos mas de una figura humana, y cuando la hay más de uno lo que destaca en la alineación de los temas y la imposibilidad de comunicación, lo que agudiza la soledad.

En 1933 el Museo de Arte Moderno de Nueva York  le consagro la primera retrospectiva y el Whitney Museum y por segunda vez en 1950.

Hopper muere el 15 de mayo de 1967 en su estudio neoyorquino, cerca de Washington Square.

LOS NABIS

LOS NABIS

Nabis (del termino hebreo Profeta)

Fue un grupo de artistas activo de gran influencia sobre el arte producido en Francia durante el periodo correspondiente al siglo xix.

Su renovación pictórica se baso en un paisaje de Sérusier el cual fue discípulo de Gauguin, se caracterizo por la yuxtaposición de los colores puros en la paleta. Su predicamento era, “una obra de arte es el producto final y la expresión visual de la síntesis de un artista de la naturaleza en metáforas personales estéticas y simbólicas”, los Nabis abrieron el terreno para los principios del desarrollo  del siglo xx para el arte abstracto y no figurativo.

Dentro del idioma del color, existen dos grupos de artistas: Los Nabis y los Fauves.

Ambos encontraron en el color la base fundamental para sus creaciones, los Nabis es un conjunto compuesto principalmente por jóvenes artistas parisinos, su localización es clara, Francia, esto es algo que no siempre pasa en todos los movimientos artísticos.

Los Nabis no tendrán mayor impacto y reconocimiento en el resto de Europa. Será un grupo que entenderá el arte como  “la manera subjetiva de expresar las emociones” esta propuesta artística es interesante e innovadora con relación a lo anteriormente en el arte europeo. Antes que los Nabis se consolidaran el arte viene a ser el reflejo de la realidad o de lo que se veía, sin ninguna incidencia en el mundo interior de artista.

Con este grupo de artistas Parisinos, vemos  que los sentimientos se convierten casi por completo en la base fundamental  de la representación.

Para entender a los Nabis debemos tener en cuenta  la importante relación que había en sus pinturas entre el color y el sentimiento.

El color se convierte en un elemento que va a trasmitir determinados estados de ánimo o formas de sentir.

Otro aspecto para tener en cuenta es que el grupo de reúne en torno a la Academia Julien la cual es una de las más importantes academias parisinas privadas del momento.

Por otro lado tenían su punto de encuentro en el Café Volpini, este lugar donde iban  además de pintores, literarios y artistas de todas las esferas se impuso como un centro de reunión, de debate, etc.

Los Nabis contaban con una revista lo cual les proporcionaba un carácter de grupo más claro. El principal miembro del grupo será Paul Ranson, escritor que pone a disposición su casa a estos artistas debido a que el Café Volpini se les queda pequeño.  Allí organizarán tertulias y diversos encuentros, las tertulias que hacia Ranson fueron muy frecuentes y esto llevo a que los artistas denominaran la casa como El TEMPLO.

Para entender la denominación del grupo tenemos que tomar la palabra hebrea Nebiim que significa profeta. De ahí que este grupo se le denominara “El grupo profeta”. Es un grupo que avanza y da nuevas inquietudes y nuevos caminos en el ámbito del arte. Tanto el significado del profeta como el nombre del Templo nos muestran que todo tenía una connotación religiosa.

Habrá por tanto un gran sentimiento de religiosidad en el grupo desde el punto de vista más amplio.    

TENDENCIAS

En la pintura Nabi existen dos  tendencias una es la tendencia espiritual y la otra es la decorativista.

TENDENCIA  ESPIRITUAL:

Es una tendencia más cercana a la ideas de Gauguin  más  romántica. Tiene una mirada hacia la Edad Media,  una vuelta al primitivismo y a la simplificación. Mezcla el simbolismo y el romanticismo en temas acerca de Bretaña, la Edad Media,  temas bíblicos

Sus principales figuras son Paul Sérusier y Maurice Denis.

 

TENDENCIA DECORATIVISTA:

Es más cercana al Impresionismo y a las ideas de Degas. Tiene un interés por la estampa japonesa y el arte oriental (formas planas, composiciones descentradas, perspectivas en altura...). Los temas que tratan suelen ser interiores burgueses, y sobre todo los más intimistas (cuartos de baño). Se define por las iluminaciones artificiales, enfoques cambiantes, y un horror vacui. Sus obras se utilizaron también como papeles pintados, vidrieras, decorados escenográficos...

Sus principales figuras son Pierre Bonnard y Édouard Vuillard.

  

CARACTERISTICAS

*        Se interesan mucho por lo exótico y lo oriental, todo lo que contenga que ver con las culturas alejadas y exóticas  ya que esta es la base de su inspiración y la creación de nuevas obras.

*        Entre sus temas se destaca el ámbito burgués y domestico(donde se desarrolla su vida y la gente vive plácidamente)

*        Los Nabis realizan una pintura basada en la deformación, esta deformación de la realidad se divide en dos maneras: una objetiva(aquella deformidad de la realidad que se ve) y una subjetiva(deformación gracias a la emoción)

*        Con respecto al color, hay que decir que será un elemento prioritario en las composiciones para los artistas de este movimiento.  Utilizaran, normalmente colores planos de gran sentido estético.  Emplearan a menudo como soporte el cartón y el papel (materiales que absorben más color, por tanto, los colores se matizan, perdiendo así parte de su agresividad).

*        Vale la pena decir que usan todo tipo de materiales para hacer sus cuadros.   Harán también litografías, vidrieras, grabados, dibujos para ilustrar libros, revistas y todo tipo de publicaciones.  (una de sus intensiones fue democratizar el arte, que éste calara entre la gente de todo tipo, que el acceso a el no fuera limitado).

*        La revista del grupo se llamó La Revue Blanche.    

   

 

 

 

Obra: Breton Wrestling.

Autor: Paul Serusier.

Descripcion: 1890. 92 x 73 cm 

Coleccion: Museo de Orsay, Paris, Francia.

Obra: L' Enfant couronnant sa mere.

Autor: Maurice Denis.

Descripcion: Litografia en rojo y azul. 456 x 339 mm. 

Coleccion: Museo de Bellas Artes de San Francisco. 

San Francisco, California, USA.